Uurige Ühilduvust Sodiaagimärgi Järgi
25 kõige olulisemat filmi, mida peaksite juba vaatama
Meelelahutus

Kuigi uued filmid võivad meediumile mõju avaldada, on palju tõenäolisem, et vanemad filmid võtavad juhtrolli (kuid hoidke sellel ruumil silma peal kahekümne esimese sajandi kõige olulisemate filmide jaoks). Lõppude lõpuks tegid nad seda kõigepealt. Kuigi hilisemad filmid võivad olla visuaalselt atraktiivsemad või meelelahutuslikumad, on 'parima' ja 'kõige olulisema' vahel selge vahe.
Sellest tulenevalt pole need päris perefilmid, kuid see on täiesti hea, sest filmid ei pea alati olema tõsised. Need filmid on aga kinofiilidele ja filmitegijatele. Kuigi mõningaid kattumisi on, olid need filmid teiste mõjutamisel kõige paremad; nad olid need, kes kõndisid, kui teie lemmikud jooksid; need on kõige olulisemad filmid, mis kunagi toodetud on.
Sisukord
- 1 8½ (1963)
- 2 2001: Kosmoseodüsseia (1968)
- 3 Tramm nimega Desire (1951)
- 4 Läänerindel kõik vaikne (1930)
- 5 Lahingulaev Potjomkin (1925)
- 6 Breathless (1960)
- 7 Kodanik Kane (1941)
- 8 Double Indemnity (1944)
- 9 Peaküttide maal (1914)
- 10 Sallimatus (1916)
- üksteist Mees filmikaameraga (1929)
- 12 Metropolis (1927)
- 13 Nosferatu (1922)
- 14 Rashomon (1950)
- viisteist Rooma, avatud linn (1945)
- 16 Lumivalgeke ja seitse pöialpoissi (1937)
- 17 Stagecoach (1939)
- 18 400 lööki (1959)
- 19 Robin Hoodi seiklused (1938)
- kakskümmend The Phantom Carriage (1921)
- kakskümmend üks Seitsmes pitser (1957)
- 22 Võlur Oz (1939)
- 23 Trouble in Paradise (1932)
- 24 Andaluusia koer (1929)
- 25 Meie väravates (1920)
8½ (1963)
Kuulus Sunset Boulevard ja Sullivan’s Travels on kaks näidet filmidest, mis käsitlevad filme, mis on tehtud enne aastat 812, kuid alles unenäoline ja ängi täis Federico Fellini pilt moodustasid need tõeliselt omaette žanri.
Sarnaselt, samal ajal kui filmitegijad olid enda kohta palju autobiograafilisi teoseid näppinud, inspireeris Fellini tervet lainet filmitegijaid tegema filme raskustes olevatest filmitegijatest, kes üritasid filme teha, sealhulgas Woody Allen (tema 812. aasta rebimises Stardust Memories), Truffaut. (filmis Day for Night) ja peaaegu iga teine viimase 30 nartsissistliku aasta jooksul esile kerkinud režissöör. Kõiki kunstnikke tõmbaksid Fellini kummalised stseenid, seksi ja leina segud ning metameditatsioonid filmides.
2001: Kosmoseodüsseia (1968)
Alates komöödiatest nagu Dr. Strangelove kuni ajalooliste eeposteni nagu Barry Lyndon ja loomulikult Ulme Ajatu meistriteosega 2001: Kosmoseodüsseia muutis Stanley Kubrick žanreid pidevalt. Võib väita, et 2001. aasta oli esimene suur ulmefilm valmistatud tänapäevasel perioodil. Oma psühhedeelse uurimisega jäädvustas see suurepäraselt hipi-dipi ajastu unenäolise hipi-dipi hõngu.
See pilt kompromiteeritud ekspeditsioonist Jupiterisse on täis delikaatsust ja tõeliselt magisterlikku suunda, kuid just murrangulised eriefektid ja avangardistlik järeldus annavad sellele nii olulise tähtsuse.
Tramm nimega Desire (1951)
Tramm nimega Desire oleks väga hea film, mis oleks võinud kergesti jääda Tennessee Williamsi näidendiks ilma keeruka psühholoogilise süžee ja vapustava dialoogita, kuid just kinematograafilised näitlejatööd teevad sellest ühe kõige olulisema filmi, mis eales tehtud. Isegi kui kogu näitlejaskond on peaaegu veatu (Vivien Leigh, Kim Hunted, Karl Malden, Peg Hillias), on A Streetcar Named Desire ehk Marlon Brando Stanley Kowalski filmiajaloo kõige olulisem esitus.
Kui Brando oli oma andeid filmis juba demonstreerinud filmis 'The Men', tegi ta seda siin, esinedes samal ajal ka William Shakespeare'i näidendis, ühendades oma lava- ja filminäitleja tausta, et luua moodne filminäitlemine. Uue Hollywoodi liikumine ja sellised näitlejad nagu De Niro, Pacino, Hackman ja Hoffman said võimalikuks tänu Brando esitusele, mis tutvustas Hollywoodile päriselus näitlemise autentsust, spontaansust ja neurootilist pinget.
Läänerindel kõik vaikne (1930)
Lewis Milestone, üks töökamaid režissööre meelelahutuse vallas, oli filmi kohandamise meister ja see on tema parim. Ta lavastas ka klassikalisi filme 'Hiirtest ja meestest', 'Mäss on Bounty' ja 'The Front Page' ning see on üks esimesi suurepäraseid sõjafilme 'Kõik vaikne läänerindel', emotsionaalselt võimas ja filmilikult haarav lugu noortest meestest. lahingurindel I maailmasõjas.
Ameerika eepos jälgib õpilasi, kes sõja rindel ja kaevikutes muutuvad idealistidest traumeeritud, pettunud veteranideks. Iga sõjavastase filmi maailmavaadet, aga ka praktiliselt iga sõjafilmi tehnilisi aspekte, on mõjutanud „All Quiet on the Western Front”. Kuigi see loodi 1930. aastal, tuleb seda siiski näha.
Lahingulaev Potjomkin (1925)
Kuigi montaaži ei leiutanud Sergei Eisenstein, valdas ta seda viisil, mis näitas filmi aspekte, mida varem polnud nähtud. Eisenstein tutvustas marksistliku materialismi kinos montaaži dialektika kaudu, segades kaadreid tagurpidi võtetega, et luua suuremaid ja võimsamaid jadasid. Ta tegi seda suurema rõhuga montaažile ja kaameranurkadele kui varasemad režissöörid.
Vene mereväe mäss, mis käivitas Vene revolutsiooni ja Nõukogude Liidu loomise, dramatiseeriti nõukogude kino varajases meistriteoses, lahingulaev Potjomkin.
Breathless (1960)
Seoses Prantsuse uue lainega usuvad paljud, et see jagunes kaheks põhisuunaks: Jean-Luc Godardi eksperimentaalsemad ja poliitilisemad filmid, mis tõlgendasid Hollywoodi ajalugu 1960. aastate Prantsusmaa konkreetses kontekstis, ja Francois Truffaut' spontaansem, emotsionaalsem ja romantilisem film. filmid. Breathless (või bout de souffle), Godardi esimene täispikk mängufilm, sai kohe tuntuks enne tema poliitikasse tulekut.
Film, mille peaosades on üliarmas Jean-Paul Belmondo ja Jean Seberg (kelle ikooniline päkapikk-lõige mõjutas moodi igavesti), on hüppeline läbivaatus kinost, noortest ja unistajatest, mis jälgib väikest kurjategijat, kes kaupleb ja lootusetult kukub. armunud ajalehetüdrukusse. Hingamatu muutis filmitegemise esimese 10 sekundi jooksul intensiivsemalt kui enamikul tervetel filmidel.
Kodanik Kane (1941)
Jah, see on üks, millest me kõik teame. Isegi kui paljud inimesed usuvad õigustatult, et Citizen Kane on parim film, mis eales toodetud, ei muuda see tegelikkust, et see muutis igaveseks kinokeelt. Kuid praeguseks oleme ilmselt väsinud, et kuuleme kodanik Kane'ist.
Double Indemnity (1944)
Double Indemnity on Billy Wilderi ja Raymond Chandleri valesti suunatud impulsside ja obsessiivsete kinnisidee suurepärane kujutis. See on üks parimaid film noir’e ja üks esimesi ehtsaid. Femme fatale naine (veatu Barbara Stanwyck) ja temasse kõvasti armunud pätt (täiesti keskmine Fred MacMurray kui igamehe sabakott) plaanivad tappa oma mees, et nad saaksid koguda. kindlustus raha filmis.
Pärast Teist maailmasõda algas topelthüvitisega küüniliste, nihilistlike meistriteoste laine, mis seadis kahtluse alla Ameerika erandlikkuse ja moraalsete absoluutide arusaama. Kui teised 1940. aastate film noir’id võisid olla paremad (Out of the Past) või võõrad (D.O.A.), siis Wilderi Double Indemnity jõudis esimesena ja tõstis žanri laitmatu stsenaariumiga kõrgemale. Selles naljakas, söövitavas klassikas pakub Edward G. Robinson kindlustusuurijana üht kõigi aegade parimaid etteasteid.
Peaküttide maal (1914)
In the Land of the Head Hunters oli esimene dokumentaalfilm, mis seda tegi ja üllatavalt edukalt. Hiljem dokumentaalfilme nagu Nanook of the North ja The Great White Silence koguksid arusaadavalt rohkem tähelepanu. Briti Columbia Kwakwakawakw inimestest tehti Edward Curtise õudne ja rahutuks tegev film, mis tehti tosin aastat enne seda, kui mõiste 'dokumentaalfilm' üldse välja töötati.
In the Land of the Head Hunters humaniseerib inimesi viisil, mis oli palju empaatilisem kui teised etnograafilised lühifilmid ja uurimused, vaatamata sellele, et see on tehniliselt stsenaariumiga, nagu enamik varasemaid dokumentaalfilme. Film kroonib ka paljusid kultuuri autentseid rituaale, rõivaid ja kunstiteoseid.
Sallimatus (1916)
D.W. Aastatel 1915–1921 oli režissöör D.W. Griffithil oli uskumatu jooks, luues arvukalt kunstiteoseid, mis muudaksid jäädavalt filmide tegemise viisi. Kuigi 'Rahvuse sünd' oli tema esimene suur eepos, piirab selle rikutud maine selle teaduslikku tähtsust. Tema järgnev pilt Sallimatus on endiselt tema parim; see kasutab maksimaalselt ära tema alustatud kinematograafilised katsed olemasoleva tehnoloogiaga antologiseeritud loos, mis on ühtaegu põnev ja liigutav.
Iroonilisel kombel oli Sallimatus rahvuse sünni õudusest kaugel, kuid see uuris ebaõiglust läbi kogu inimkonna ajaloo, Babülonist tänapäeva Californiani, ja see on emotsionaalselt võimas ka tänapäeval. See on võib-olla esimene ideaalne eepos oma asjatundlikult tehtud nukukaadrite, tohutute komplektide ja leegionide lisadega.
Mees filmikaameraga (1929)
Nõukogude meistriteos Mees filmikaameraga on veel üks eksperimentaalne film, kuid sellel on täiesti erinev esteetika ja tõuge kui Un Chien Andalou ning sellel on tõenäoliselt kõigist filmidest kõige kinematograafilisem leiutis. Dziga Vertov uuris tehnoloogiaga ja filmide tegemise protsessidega, erinevalt eelmisest filmist, mis keskendus rohkem ideedele ja piltidele.
See uskumatu metafilm filmioperaatorist, kes filmib Moskva, Kiievi ja Odesa erinevaid piirkondi, hõlmab ja uuendab mängu- ja hüppelõikeid, kiiret ja aegluubis filmi, Hollandi vaatenurki, jagatud ekraani, arvukalt säritusi ja stop-motion animatsiooni.
Metropolis (1927)
Fritz Lang leiutas paljud filmitehnikad, mis iseloomustasid ulmet paljudeks aastateks koos Metropolisega. Saksa film, mis valdab varaseid klišeesid nagu androidid või küborgid, düstoopilised tulevikud ja sädeleva spooni all võitlev proletariaat, on omamoodi 'Ur' ulmeraamat kino jaoks.
1930. aastatel kasutas Metropolis miniatuure viisil, mis aitas inspireerida fantaasia- ja ulmefilme, nagu King Kong ja Things to Come. Langi ja tema meeskonna kujutletud tulevikumaailm on vaevaliselt detailne, alamklass rügab eemale, enne kui rakendab võimsa androidi kõrgklassi kukutamiseks.
Nosferatu (1922)
Nosferatu, vaieldamatult kõige kuulsam tumm õudusfilm, tehti Bram Stokeri romaani lõdva kohandamisega, et anda edasi lugu vampiirist, kes siseneb väikelinna ja jälitab noort naist. Kuigi õudusfilm on olnud osa filmist alates selle loomisest 19. sajandi lõpus ja võis tollal publikut hirmutada, on enamikul vaatajatest praegu arhailise tehnoloogia tõttu raske õudusega ühendust saada.
Kuid Nosferatu on tänapäeval endiselt uskumatult õudne ning sellel oli suur mõju atmosfääri ja hüppehirmu arengule kogu järgneva sajandi jooksul. See on osaliselt tingitud F. W. suurepärasest suunast. Murnau, kes produtseeris 1920. aastate parimaid filme, kuid Max Schrecki silmapaistev esitus, mis oli nii häiriv, et mõned uskusid siiralt, et ta on vampiir, valmistab suurema osa ehmatusest. Isegi täna, 100 aastat hiljem, hirmutab Nosferatu inimesi endiselt.
Rashomon (1950)
Legendaarne Akira Kurosawa aitas oma särava filmiga Rashomon kaasa ebausaldusväärsete jutustajate, postmodernse subjektiivsuse ja eetilise mitmetähenduslikkuse tutvustamisele kinos. Ehkki see ei pruugi olla nii lahe, suurejooneline ega kirglik kui mõned tema teised filmid, muudab see mäluanalüüs ja narratiivi dekonstrueerimine sellest universaalseks klassikaks, millel on lõputu mõju.
Lugu keerleb kolme erineva tunnistaja ümber, kes annavad kohtuistungil tunnistusi ja esitavad kolm erinevat narratiivi sama kuriteo kohta, millest igaüks selgitab ja täiendab teisi, jättes samas varjatud tegelikkuse muud tahud. Rashomon on köitev eksperiment lugude jutustamises, mis kasutab kaunilt vihma ja sisaldab Toshiro Mifune'i pöörast esitust.
Rooma, avatud linn (1945)
Roberto Rossellini meistriteos 'Rooma, avatud linn' oli tõenäoliselt esimene sõjajärgne meistriteos, mis uuris Teise maailmasõja tagajärjel tekkinud traumasid ja hävinguid. Rooma, avatud linn jälgib 1944. aasta paiku Roomas toimunud vastupanu Saksa natsidele ja Itaalia fašistide vastu, kuna kaotaja pool muutub vägivaldsemaks ja meeleheitlikumaks ning keskendub peamiselt preestrile, kes on otsustanud aidata ja päästa võimalikult palju inimesi.
Kuigi Umberto D., Paisa või Shoeshine võivad olla paremad itaalia neorealistlikud filmid ning see on stiliseeritum ja melodramaatilisem kui enamik, tuleneb selle olulisus selle ajaloolisest keskkonnast ja traagilise sõjateema lähedusest. Rooma, avatud linn, dokumentaalfilm, mis filmiti lagunenud tänavatel ja mis näitas, kui häiritud olid Itaalia ja ülejäänud maakera pärast sõda, on endiselt uskumatult liigutav.
Lumivalgeke ja seitse pöialpoissi (1937)
Lumivalgeke ja seitse pöialpoissi murdsid animeeritud piltide loovuse tammi, vallutades turu pidevalt. Kolm aastat hiljem tegi Walt Disney Fantasiaga suuremat tööd. Tänu oma võluvale muusikale ja keelele, vapustavale animatsioonile ja tõeliselt uuenduslikele jutuvestmisviisidele on esimene Disney täispikk pilt jätkuvalt oma parimate seas. Teatud mõttes vastutab see film kogu animatsiooni eest.
Stagecoach (1939)
Metsikut läänt on filmitud filmides alates 1903. aasta filmist 'Suur rongirööv', kuid mitte sügavalt enne 1930. aastate lõppu. See on tingitud asjaolust, et vaiksed vesternid olid sageli väga odavad ja kleepuvad ning et kõnefilmide ilmumisel loobusid filmistuudiod žanrist, kuna see oli lihtsalt liiga kallis. Kuigi 1939. aastal ilmusid mitmed legendaarsed filmid, sealhulgas Jesse James, Dodge City ja Destry Rides Again, muutis sündmuste käiku täielikult John Fordi ja John Wayne'i meistriteos Stagecoach.
Režissööri meetodid lääne märuli filmimisel ning maastikufotograafia tasakaalustamisel keskmiste võtete ja lähivõtetega määravad lääne filmide visuaalse keele aastateks. Wayne'i täiuslikult sobitatud jõudlus ja Fordi kujund Stagecoachis muutuksid koheselt ikooniks. Wayne'i esitus selles filmis oleks aastakümneteks eeskujuks peaaegu igale lääne kangelasele.
400 lööki (1959)
Koos Patheriga panchali ja Little Fugitive, 400 lööki, üks esimesi filme, mis heitis tõelise ja siira pilgu lapsepõlvele, oli üks esimesi, mis juhatas sisse igavesti inspireeriva prantsuse uue laine. Filmi keskmes on noor Alain Delon, kes ei suuda lõpetada tunnis näitlemist, tunneb end kodus ignoreerituna ja tunneb end ülejäänud inimkonnast ära lõigatud. Järgmise 20 aasta jooksul teeb Truffaut ülevoolavast ja vallatust Delonist veel neli filmi, kõigis peaosas suur Jean-Pierre Léaud. Delon on nii ikooniline isiksus.
Robin Hoodi seiklused (1938)
Errol Flynn ja Olivia de Havilland filmis 'Robin Hoodi seiklused', 1938, Warner Bros.
1930. aastate lõpus toodeti tänu värvikino järkjärgulisele täiustamisele pärast aastaid kestnud katse-eksitusi mitmesuguseid visuaalselt hingekosutavaid pilte alates filmist 'Tuulest viidud ja +9' kuni vahakujude muuseumi müsteeriumi ja doktor X-i. Konkurentsi on palju, kuid The Adventures of Robin Hoodi võib tänu oma erksale Technicolori värviskeemile rahvahulgast silma paista.
Errol Flynn, Olivia de Havilland, Basil Rathbone, Claude Rains ja Alan Hale esitavad kõik meeldivad etteasted Michael Curtizi klassikas, mis oli Warner Brosi esimene suurem film ja mis on nauditav ja põnev ka 85 aastat hiljem.
The Phantom Carriage (1921)
Imelise, tõeliselt kummitusliku filmiga The Phantom Carriage lõi Victor Sjöström kaameratriki ja suurepärase montaaži abil uhiuue esteetika. Lisaks muudele murrangulistele eriefektidele aitasid Sjöström ja tema operaator Julius Jaenzon luua palju õudust, fantaasiat ja maagilist realismi, mida me tänapäeval tunneme ja armastame. Nad tegid seda, kasutades mitme kihiga kaameras topeltsäritust.
Filmis The Phantom Carriage jutustatakse õudset uusaastalugu üle talvise Rootsi, kus viimane inimene, kes lahkub enne kella südaööd, neatakse, et koguda tuleva aasta jooksul lahkunute hingi.
Seitsmes pitser (1957)
Rahvusvahelise kino populaarsusele ja tunnustusele aitas kahtlemata kaasa vaikiva ajastu lamenev mõju, mis homogeniseeris rahvusluse, nõudes vaid teksti ja pilte. Kuid alles režissöör Ingmar Bergman ja eriti The Seventh Seal sai rahvusvaheline ja 'arthouse' kino laialdaseks, oluliseks ja isegi tulutoovaks. Seitsmenda pitseri vabastamise aastal asutati Oscarite jagamisel parima võõrkeelse filmi kategooria ning kõik filmitegijad ja kunstnikud ümber maailma oleks mõjutatud selle uskumatult eristuvast esteetikast.
Bergmani sünge eksistentsiaalne avastus ja privaatsed kammerdraamad olid ideaalseks vastukaaluks 1950. aastate Hollywoodi optimistlikule Technicolorile ning paljud inimesed avastasid filmikunsti aususe ja terviklikkuse esimest korda välismaal. Seitsmes pitser, mis järgneb ristisõdadest naasvale sõdurile, kes mängib surmaga malet ja reisib koos kunstnike ja esinejate rühmaga keset muhkkatku Rootsi, täiustas praeguseks klikiseks saanud ja pilkanud arthouse’i ideaali süngetest surmamõtisklustest. Vastupidiselt levinud arvamusele on film tegelikult palju naljakam ja intrigeerivam kui tavaliselt. Kuid see, mis eristas seda teistest filmidest, oli selle eriline võõras maitse ja filosoofia.
Võlur Oz (1939)
The Wizard of Oz on visuaalselt suurejooneline, delikaatselt rahutust tekitav suurima kaliibriga vaatemäng. See on tohutult fantaasiarikas ja maagiline teos. Antropomorfiseerides oma unistuste keskkonda ja asustades selle elavate, püsivate inimestega, kasutab The Wizard of Oz nooruse leidlikkust, luues sisuliselt terve universumi noore peategelase meeles. Kuigi lavastus oli kohutav õudusunenägu, on pilt lihtsalt tehniline (ja muusikaline) täiuslikkus ning seda armastavad nii lapsed kui ka täiskasvanud.
Trouble in Paradise (1932)
Trouble in Paradise sillutas teed intelligentsetele komöödiatele, mis väärtustasid dialoogi, romantikat ja süžeed, mis on seotud lavatükkide ja narratiivsete põhjendustega, enne kui teised kiire jutuga klassikud, nagu It Happened One Night ja His Girl Friday, tulid selle äikest varastama (mitte, et seal oleks midagi valesti; Meie külalislahkus, Sherlock Jr. või The Gold Rush võiks kindlasti sellesse loendisse lisada).
Selle armsa varajase jutufilmi lavastas Ernst Lubitsch, esimene suur rom-komide meister, ja see sai tohutult kasu sellest, et see vabastati enne Haysi koodeksi rangeid piiranguid sensuaalsusele ja „ebamoraalsele” käitumisele ekraanil. Selles lõbusas varases varanduses üritavad kaks kriminaalset armukest petta parfüümifirmas töötavat jõukat naist, kuid romantika muudab asja keeruliseks. Sellel on sama elujõulisuse tunne nagu kaasaegsetel rom-komidel Hull rumal armastus või magamata Seattle'is.
Andaluusia koer (1929)
Un Chien Andalou, sageli tuntud kui Andaluusia koer, oli võib-olla esimene sürrealistlik film, mille produtseerisid suurepärased Luis Buuel ja Salvador Dal. Siin pole tegelikult lugu; Selle asemel on mitmeid ikoonilisi, võib-olla metafoorilisi stseene, mis mängivad nii vormi kui ka subjektiga, tekitades samal ajal unustamatuid kujundeid (alates sipelgatest käel ja lõpetades võib-olla kõige ikoonilisema pildiga kinos, silmamuna, mille tera on valmis seda lõikama). Tulevased julgelt eksperimentaalsed filmid, nagu Meshes of the Afternoon, Dog Star Man ja La Jetée, oleksid mõjutatud Un Chien Andaloust.
Meie väravates (1920)
Väga pikka aega hoiti suurepärast Oscar Micheaux’d kino kaanonist eemal, kuid viimastel aastatel on ilusad kordusväljaanded aidanud rohkematel inimestel teada saada esimesest tõeliselt suurepärasest mustanahalisest filmitegijast. Töötades väljaspool stuudiosüsteemi, rõhutasid Micheaux' sõltumatud filmid töölisklassi värvilisi ja naistegelased , kahte asja, mida me Hollywoodis ei näinud.
Välja arvatud nüüdseks kadunud The Homesteader, oli Within Our Gates Micheaux’ debüütfilm ja see on jätkuvalt üks tema tähtsamaid ja riskantsemaid töid. Lugu keerleb Sylvia (südantlõhestav Evelyn Preer) võitluste ümber, kui ta talub institutsionaalset rassismi läbi katastroofiliste juhtumite, romantiliste suhete ja meelevaldse vägivalla.